Cultura

Samsara de Lois Patiño i Sica de Carla Subirana, al Berlin International Film Festival (Berlinale) 2023

esther.anon — Thu, 16 Feb 2023 10:17:31 +0000

Samsara de Lois Patiño y Sica de Carla Subirana, en el Berlin International Film Festival (Berlinale) 2023 esther.anon Jue, 16/02/2023 - 11:32

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Dos filmes impulsados por el Máster en Documental de Creación de la UPF-BSM participan en el Berlin International Film Festival (Berlinale), que tendrá lugar del 16 al 26 de febrero.

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Jue, 16/02/2023 - 12:00

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El talento de la UPF-BSM, reconocido a nivel internacional

Dos filmes impulsados por el Máster en Documental de Creación de la UPF Barcelona School of Management participan en el Berlin International Film Festival (Berlinale), que tiene lugar del 16 al 26 de febrero. Se trata de Samsara, dirigida por Lois Patiño y producida por Leire Apellániz, Garbiñe Ortega y Claudia Salcedo (Señor y Señora) que participa en la sección Encounters. Y de Sica, dirigida por Carla Subirana y producida por Alba Sotorra (Alba Sotorra S.L.) y por Andrea Vázquez (Miramemira) que participa en la sección 'Generation'.

Samsara

Samsara es un filme experimental que indaga en la espiritualidad de una comunidad de jóvenes monjes en Laos, a partir del principio de la mística y la reencarnación. Esta estricta vivencia, transmitida por imágenes documentales inolvidables, se traslada a una atmósfera lumínica totalmente diferente, la de Zanzibar, donde un grupo de mujeres trabajan en una granja de algas. Esta obra de Lois Patiño (Vigo, 1983) se empapa del estilo personal de su autor, donde siempre existe una imbricación profunda entre humanidad y paisaje.

Patiño fue alumno del Máster en Documental de Creación, y entre sus filmes anteriores destaca Costa de Morte (2013), que ganó el primero al mejor director emergente en el Festival de Locarno, y Lúa Roja (2020), premiada en el Festival de Málaga.

Sica

Sica es el primer filme de ficción de Carla Subirana (Barcelona, 1972), graduada en Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra. El filme narra las vivencias de una niña que espera reencontrar los restos de su padre, un pescador desaparecido en un naufragio en la Costa da Morte.

Carla Subirana se dio a conocer con su primer filme Nedar (2008), un documental sobre las tres mujeres de su familia que reflexionan sobre una figura ausente y la pérdida de la memoria, personal y colectiva. El filme cuenta con la presencia de Joaquim Jordà, un cineasta con quien Carla Subirana estableció un largo período de colaboración y estima mutua. Posteriormente, realizó el filme Volar (2012) impulsado también por el Máster en Documental de Creación, que supuso la primera incursión documental en una academia militar española.

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"Les nits blanques", de Dostoievski, cinquè integrant de la col·lecció literària de la UPF

Anónimo — Fri, 03 Dec 2021 10:04:38 +0000

"Noches blancas", de Dostoyevski, quinto integrante de la colección literaria de la UPF Anónimo (no verificado) Vie, 03/12/2021 - 11:29

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La UPF y la UPF-BSM conmemoran el bicentenario del nacimiento de Fiódor Dostoyevski con la publicación de Noches blancas, coeditado con Angle Editorial.

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Mar, 14/12/2021 - 12:00

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La Universidad Pompeu Fabra y la UPF Barcelona School of Management conmemoran el bicentenario del nacimiento de Fiódor Dostoyevski con la publicación de Noches blancas (Les nits blanques) –en edición bilingüe en ruso y catalán–, la quinta obra de la Colección literaria del Programa Cultura, impulsado en 2017.

"Que la comunidad universitaria de la UPF se ponga de acuerdo alrededor de la lectura de un clásico es un gesto colectivo esencial que abre perspectivas y cambia puntos de vista", manifiesta el Vicerrector de Transformación Educativa, Cultura y Comunicación, Manel Jiménez.

La UPF y la UPF-BSM conmemoran el bicentenario del nacimiento de Dostoyevski con la publicación de Noches blancas, coeditado con Angle Editorial

La edición de este año, coeditada por primera vez con Angle Editorial, ofrece el texto original en alfabeto cirílico, y la traducción del ruso al catalán por Miquel Cabal Guarro, profesor asociado del Departamento de Traducción y Ciencias del Lenguaje de la UPF. Por su parte, el profesor Serra Húnter de Relaciones Internacionales y Vicerrector de Profesorado y Relaciones con la Comunidad, Pablo Pareja, es el autor del prólogo, mientras que el epílogo corre a cargo de Tamara Djermanovic, especialista en literatura eslava y profesora agregada de Estética del Departamento de Humanidades de la UPF.

Dostoyevski, ¿un autor contemporáneo?

Noches blancas, escrito en 1948 tras el éxito inesperado de su primera novela, Pobres, abandona el universo más trágico y la intencionalidad satírica de sus primeras creaciones, sin dejar de explorar otro ámbito: el amor adolescente y su pasión vital. El cuento, pues, narra la historia de una pareja de jóvenes –solitarios, desesperados, soñadores– que se conocen en una noche irreal en las calles de San Petersburgo. Una experiencia que les guía hacia una reflexión que trasciende a épocas y generaciones: ¿es un único momento feliz suficiente para toda la vida de un hombre?

A Dostoyevski podemos leerlo como si fuese un autor contemporáneo: tiene la virtud de hablarnos de gente y situaciones que podemos reconocer

"A Dostoyevski podemos leerlo como si fuese un autor contemporáneo. Tiene la virtud de hablarnos de gente y situaciones que todavía podemos reconocer", considera el traductor. "La mejor forma de aproximarnos a cualquier libro de Dostoyevski es desde la contemporaneidad", garantiza Cabal.

En este sentido, la responsable del Programa Cultura de la UPF-BSM y asesora de Cultura de la UPF, Mathilde Brodu, opina que la "construcción de esta obra es moderna, nos interpela de lleno". "El autor cuenta historias encajadas en otras historias: pasamos de los sentimientos más tiernos a las reflexiones más complejas sobre las relaciones humanas y las dificultades para entenderlas", matiza.

Cinco años de clásicos en la UPF-BSM

Con Noches blancas, de Dostoyevski, la Colección literaria de la UPF, impulsada gracias al liderazgo de la UPF-BSM llega a sus cinco ejemplares. La iniciativa, que nació en el año 2017, dio el pistoletazo de salida con la publicación de Bartleby, The Scrivener, de Melville, y siguió con Candide ou l'Optimisme, de Voltaire; Il Principe, de Maquiavel; y The Tempest, de Shakespeare.

La colección, al fin y al cabo, abre un amplio abanico de reflexiones sobre los temas más actuales: las nuevas formas de organización, de comunicación y de producción; la dignidad humana en un mundo injusto; la resolución de conflictos y el rol del líder; la redención por el trabajo o la artificialidad de la naturaleza humana.

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El Màster en Edició arriba als 25 anys plenament integrat en el sector editorial internacional

Anónimo — Wed, 27 Oct 2021 13:38:10 +0000

El Máster en Edición llega a los 25 años plenamente integrado en el sector editorial internacional Anónimo (no verificado) Mié, 27/10/2021 - 16:21

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El Máster en Edición llega a los 25 años habiendo impulsado más de 50 empresas del sector del libro y habiendo formado a buena parte de los profesionales del sector editorial en lengua española y catalana, así como numerosos profesionales europeos y de todo el mundo. Para celebrarlo, ha organizado un acto institucional que ha juntado a estudiantes, alumni, profesorado y varios profesionales del mundo del libro.

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Jue, 28/10/2021 - 12:00

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"Hemos hecho algo bien de lo que creo que podemos estar satisfechos. Cumplimos 25 años haciendo de puente entre el talento emergente y una ciudad con un gran capital". Así lo ha asegurado Javier Aparicio Maydeu, creador y director del Máster en Edición de la UPF Barcelona School of Management durante la celebración de sus 25 años.

El programa llega a su primer cuarto de siglo habiendo impulsado más de 50 empresas del sector del libro y habiendo formado a buena parte de los profesionales del sector editorial en lengua española y catalana, así como numerosos profesionales europeos y de todo el mundo.

El Máster en Edición llega a los 25 años habiendo impulsado más de 50 empresas del sector del libro

Para conmemorar el aniversario, el máster ha organizado un acto institucional conducido por la alumni y subdirectora del máster, Carlota Torrents, en la sede de la UPF-BSM, que ha contado con la participación del rector de la Universitat Pompeu Fabra, Oriol Amat, así como de Dolors Oller, escritora y crítica literaria y codirectora del programa en sus primeras ediciones; de Montse García, gestora de programa; y de su creador y director, Javier Aparicio Maydeu. "Se trataba de un programa pionero y ahora ya es un referente", ha celebrado el rector Amat.

"Soy de las que cree que el libro es fundamental en la vida de la gente, en la creación del imaginario. Te hace capaz de vivir otras vidas que sin él no vivirías", ha reflexionado la escritora y crítica literaria, Dolors Oller. Durante la celebración, también han estado presentes estudiantes, alumni, profesorado y profesionales del libro que han acompañado y apoyado al Máster a lo largo de estos 25 años.

El programa ha formado a buena parte de los profesionales del sector del libro en lengua española y catalana y cuenta con una inserción laboral de más del 75%

"Todo evoluciona y las generaciones de estudiantes van cambiando. Hemos tenido que adaptarnos a nuevos formatos y nuevas dinámicas en classe", ha compartido García, gestora del programa. Desde su inicio, el Máster en Edición ha seguido de cerca la innovación y tendencias del sector, y así se ha reflejado en la constante actualización del programa formativo y en la rotación de los profesionales en activo de referencia.

El Máster, de hecho, tiene el reconocimiento de las principales instituciones del sector, como el Gremio de Editores de Catalunya o CEDRO, y cuenta con el apoyo de empresas internacionales de prestigio como Grupo Planeta, Penguin Random House Grupo Editorial, Google, Anagrama, RBA, Canon o Nielsen, entre otras.

Docentes y colaboradores de prestigio

"Intentamos reencontrar, compartir y trasladar la emoción de la lectura de aquel primer libro", ha manifestado Torrents, en nombre de los docentes. La vocación internacional del Máster hace que entre sus distinguidos profesores se encuentren Jorge Herralde, Peter Mayer, André Schiffrin, Liz Calder, Andrew Wylie, Carlo Feltrinelli, Barbara Epler o Antoine Gallimard.

El Máster cuenta con la confianza de CEDRO, que otorga las distinciones a los mejores proyectos de cada promoción, y con la de Penguin Random House Grupo Editorial, que concede las becas internacionales Claudio López de Lamadrid, en homenaje a uno de los grandes referentes de la edición internacional en lengua española.

Entre sus distinguidos profesores se encuentran Jorge Herralde, Peter Mayer, André Schiffrin, Liz Calder o Antoine Gallimard, entre otros

Tras 25 años, el Máster en Edición se consolida como un referente nacional e internacional gracias a los acuerdos vigentes con las grandes compañías del mundo editorial, al vínculo con eventos de alto nivel como la Feria del Libro de Guadalajara (México) y la Feria del Libro de Frankfurt, como también a la organización de encuentros internacionales de referencia como el Forum Edita. Pero, sobre todo, también se consolida como un referente por la trayectoria profesional de sus estudiantes.

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"La turbulencia es un lugar en el que deberíamos empezar a sentirnos cómodos"

Anónimo — Fri, 02 Jul 2021 07:34:08 +0000

"La turbulencia es un lugar en el que deberíamos empezar a sentirnos cómodos" Anónimo (no verificado) Vie, 02/07/2021 - 09:34

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Carlos A. Scolari, doctor en Lingüística Aplicada y Lenguajes de la Comunicación de la UPF, presenta su último libro, Cultura Snack, junto a Jorge Carrión y Gabriela Pedranti.

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Mar, 22/06/2021 - 12:00

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El actual panorama comunicativo se caracteriza por una multiplicidad de canales a través de los cuales se puede transmitir el mensaje. Esta situación ha llevado a los autores a una competencia feroz para alcanzar la atención del público y, al mismo tiempo, al nacimiento de una gran cantidad de piezas textuales breves.

"La turbulencia es un lugar en el que tendríamos que empezar a sentirnos cómodos", ha indicado Gabriela Pedranti, profesora del Grado de Publicidad y Relaciones Públicas de la Universitat Pompeu Fabra, durante la sesión de presentación de Cultura Snack (La Marca, 2020), el último libro del doctor en Lingüística Aplicada y Lenguajes de la Comunicación en la UPF, Carlos A. Scolari.

Mayor extensión no implica menor calidad, pero la brevedad es un valor añadido

Junto al escritor y director del Máster en Creación Literaria de la UPF Barcelona School of Management, Jorge Carrión, los panelistas han debatido sobre distintos conceptos en torno a la comunicación que han ido descubriendo a través de unas tarjetas. "Spoiler", "haiku", "dinosaurio" o "fugacidad" han sido alguno de los términos que han aparecido y sobre los cuales los ponentes han tejido varias conclusiones como, por ejemplo, que la academia intenta "solidificar demasiado".

Más allá de las diferencias notables entre el mundo académico y el sector no profesionalizado, Scolari ha apuntado que el microrelato o el fenómeno de los textos breves ha ocasionado un "boom" en Latinoamérica. Algo con lo que ha coincidido Carrión que, sin embargo, ha lamentado que "no haya cuajado en la cultura tradicional".

Si bien es cierto que mayor extensión no implica menor calidad (tómese de ejemplo Guerra y paz, la obra maestra de Lev N. Tolstói), los ponentes han asegurado que más allá de estar de moda, la brevedad y capacidad de síntesis siempre es un valor añadido.

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La UPF-BSM recupera part de "La gauche qui rit ", l'exposició de Colita censurada durant el franquisme

Anónimo — Fri, 11 Jun 2021 14:28:23 +0000

La UPF-BSM recupera parte de "La gauche qui rit ", la exposición de Colita censurada durante el franquismo Anónimo (no verificado) Dom, 13/06/2021 - 19:37

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La exposición "La gauche qui rit" vuelve a ver la luz gracias a la UPF Barcelona School of Management, que recupera parte de las fotografías de Colita censuradas durante el franquismo con una nueva exhibición, disponible en Balmes 132 hasta el mes de septiembre.

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Lun, 14/06/2021 - 12:00

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Eugenio Trias (1942-2013), filòsof i professor. Archivo Colita Fotografía.

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"¿Quién es la Gauche Divine" es una exposición que recoge parte de las fotografías de Colita exhibidas en la sala Aixelà en 1971
Joan Manel Serrat, Maria del Mar Bonet o Jorge Herralde son algunos de los personajes capturados a través de los lentes de Colita
La exposición, disponible en la UPF-BSM hasta el mes de septiembre, recorrerá los tres campus de la Universitat Pompeu Fabra

La exposición "La gauche qui rit" vuelve a ver la luz gracias a la UPF Barcelona School of Management, que recupera en un formato portátil de ámbito universitario parte de las fotografías de Colita censuradas durante el franquismo con una nueva exhibición. "¿Quién es la Gauche Divine?", disponible en el edificio de la calle Balmes 132 hasta el mes de septiembre, enseña una muestra de las imágenes en las que Colita retrataba a las personas que conformaban la vida intelectual de Barcelona durante los últimos años del franquismo.

Entrevista en exclusiva con Colita, aquí

"En los años 70, Barcelona tenía color de paloma sucia". Así define la misma Colita la época y la ciudad dónde se inició en la fotografía y dónde se ha convertido en una de las fotógrafas más emblemáticas de nuestros tiempos. "Era una ciudad portuaria, triste... pero había pequeños núcleos de reunión, como trincheras, donde nos escondíamos un conjunto de personas antifranquistas y adictas a la cultura", explica.

Joan Manuel Serrat, Maria del Mar Bonet, Eugenio Trias, Jorge Herralde o Oscar Tusquets son algunos de los "divinos" capturados a través de los lentes de Colita. Gente que "intentaba vivir de a cultura y que, con el tiempo, se ha hecho famosa en su profesión".

¿Quién es la Gauche Divine?

"Sus fotografías nos muestran cómo eran entonces, cuando quizás ni siquiera eran lo que han llegado a ser", reflexiona la comisaria de la exhibición y responsable del programa Cultura de la UPF-BSM, Mathilde Brodu. "Nos los acerca a través de una mirada divertida, lejos de arquetipos y puestas en escena", comenta, y añade, "nos muestra a sus amigos, ajenos a la fama que los terminaría convirtiendo en iconos".

La Gauche Divine es un hito en la historia reciente de España sobre lo que supuso resistir al franquismo y a la censura

El concepto de Gauche Divine fue impulsado por el cronista Joan de Segarra con el objetivo de aglutinar al grupo de personas que conformaba la vida intelectual de Barcelona. "Cuando vimos que el concepto tomaba tanta importancia, decidimos poner por escrito en una servilleta quienes éramos realmente la Gauche Divine", relata Colita. Una lista de la que terminó naciendo la exposición "La gauche qui rit", un término que juega con el nombre de la marca de queso procesado "La vache qui rit".

Y con la censura, el crecimiento

"Nosotros pretendíamos hacer una fiesta en la sala Aixelà con el objetivo de colgar a nuestros amigos de la pared y regalarles las fotografías", admite la fotógrafa. Pero la exposición, que tenía que durar dos días, topó con la censura franquista. "Se tomaron muy en serio eso de la 'gauche'", ironiza Colita, que, más allá de la anécdota, admite que el concepto "caló".

Hoy, la "Gauche Divine" es un "hito en la historia reciente de España, un emblema intelectual de lo que supuso resistir al franquismo y a la censura, a lo que supuso crear a pesar de la represión o buscar fuera de los límites establecidos las condiciones para la obra de arte", considera Manel Jiménez, vicerrector de Transformación Educativa, Comunicación y Cultura de la UPF.

No se volverá a producir un fenómeno como el de la Gauche Divine porque, espero, no habrá otro dictador que una al mundo de la cultura

"El fenómeno de la Gauche Divine no ha parado nunca. Tengo 80 años y todavía hablo de ello", se sorprende la fotógrafa, que lo atribuye a la "diversión de los protagonistas". "La gente lo que quiere es reír y compartir el sentido del humor, por eso este grupo tuvo tanto éxito", apunta.

Ahora bien, la fotógrafa –que asegura estar muy contenta con la explosión de la fotografía gracias a los smartphones– afirma que este fenómeno no se volverá a repetir, ya que "no volverá, espero, a haber otro dictador que una al mundo de la cultura".

"Queda poco romanticismo en nuestra profesión, y los que quedan los están matando en alguna guerra", denuncia, y lamenta que, hoy en día, todo aquello relacionado con la cultura "es complicado". "Hay que trabajar mucho para llegar lejos y que a los 80 años todavía puedas colgar a tus amigos de la pared", concluye.

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Entrada libre en el hall de la UPF Barcelona School of Management (Calle Balmes 132-134)
Abril-septiembre 2021

Comisariado: Mathilde Brodu
Idea original: Francesc Polop
Diseño gráfico: Francesc Polop
Edición y traducción: Ruth Pérez Castro
Producción: UPF Barcelona School of Management
Colaboran: colitafotografia.com, Biblioteca CRAI UPF
Imágenes: Archivo Colita Fotografía ©

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Amb Colita, la 'Gauche Divine' no s'acaba mai

Anónimo — Fri, 11 Jun 2021 07:34:45 +0000

Con Colita, la 'Gauche Divine' no se acaba nunca Anónimo (no verificado) Vie, 11/06/2021 - 11:41

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La UPF Barcelona School of Management recupera la exposición "La Gauche qui rit", que incluye las fotografías de Colita sobre los personajes de la vida intelectual de Barcelona en los 70 y que fueron censuradas.

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Mar, 15/06/2021 - 12:00

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Todo empezó con una maleta. Más que una maleta, era una suerte de caja grande con ruedas de goma, una caja de madera con una etiqueta pegada en uno de los laterales que decía "COLITA".

Ese día estábamos consultando a nuestro amigo y grafista Francesc Polop sobre un proyecto de exposición a partir de material de estudiantes de la Universitat Pompeu Fabra (UPF) sobre la escuela Bauhaus, Comentábamos distintas posibilidades, presupuestos y soluciones gráficas mientras nuestra mirada viajaba por el estudio de Francesc, lleno de fotos, pequeñas esculturas y estanterías a prueba de fuego. Recordamos perfectamente cuando le preguntamos: "y eso de Colita, ¿qué es?". Su respuesta fue muy directa: "¡una exposición!".

Colita nos presenta a sus amigos, ajenos a la fama que les terminaría convirtiendo en iconos de una generación

Y así, preparando la exposición "Bauhaus, el crisol de la modernidad" (actualmente en el campus de Poblenou y, muy pronto, en el campus de la Ciutadella), decidimos convertirla en una exposición transportable en una especie de maleta de madera pensando ya en la siguiente –transportable, también, en su maleta privada–, llena de fotos de Colita.

El origen de la exposición

La exposición "¿Quién es la Gauche Divine?" empezó en el corazón de otra. Mientras hablábamos de Mies van der Rohe aparecieron retratos de Eugenio Trias, Juan Marsé, Joan Manel Serrat y muchas otras figuras ineludibles de la vida social, política, intelectual, artística –en definitiva, todo aquello conocido como vida cultural– de la Barcelona de los años 70.

Joan de Sagarra, inspirado por los antiguos ambientes parisinos del Quartier Latin, situado en la "rive gauche" del Sena, utilizó la expresión "Gauche Divine" por primera vez para referirse a estas personas. En esa época, uno de los lugares de moda en Barcelona era Bocaccio, una discoteca que pronto se convirtió en punto de encuentro de todo tipo de personajes.

En 1917, la sala Aixelà organizó la exposición original bajo el irónico nombre "La Gauche qui rit", jugando con la provocación. La exposición se inauguró, pero al día siguiente la policía la clausuró. El uso de la palabra "gauche" (izquierda) y los personajes que se exhibían parecían demasiado subversivos en las postrimerías del franquismo.

El retrato de una época

La exposición presentaba unos 70 retratos, todos ellos de amigos y conocidos. Colita da en ellos testimonio de la trayectoria de las personalidades más conocidas de aquellos tiempos en el entorno barcelonés. Sus fotografías nos muestran ahora como eran entonces, cuando ni siquiera eran lo que han llegado a ser. Nos los acerca a través de una mirada divertida, lejos de arquetipos y puestas en escena. Colita nos presenta a sus amigos, ajenos a la fama que les terminaría convirtiendo en iconos.

La Gauche Divine es un hito de la historia reciente española sobre lo que supuso la resistencia al franquismo y a la censura

Hoy, la "Gauche Divine" es un referente, un hito en la historia reciente española, un emblema intelectual de lo que supuso resistir al franquismo, a la censura, a lo que implicaba crear a pesar de la represión o a buscar fuera de los límites establecidos las condiciones para la obra de arte.

Bocaccio representaba también –casi es innecesario decirlo– la diversión e inconformismo de una cierta clase social, precisamente en una época en la que este concepto de clase estaba en el centro de los discursos políticos inspirados en el marxismo. Es cierto que la "Gauche Divine" evoca una forma de ser, de izquierdas, sin renunciar a lo que podríamos llamar una cierta pretensión, ¡aunque esta sea una pretensión con poco dinero!

Las lecciones de Colita

La lección de Colita, fotógrafa y testimonio de la trayectoria de sus amigos, tiene unos valores que toda escuela o comunidad educativa puede apropiarse fácilmente: trabajar, trabajar y trabajar; intentar ganar el dinero necesario para seguir haciendo aquello en lo que se cree; no ceder a las amenazas o a las presiones; divertirse aprendiendo; adaptarse a las circunstancias, las tecnologías, las condiciones de trabajo; no tener prejuicios.

Las lecciones de Colita, su entrañable energía o su mal genio nos dan pistas de valor: formarse una personalidad y querer a tus amigos.

Nuestra pequeña muestra, testimonio excepcional de una época, es una gran muestra de arte, de humanidad. Una de las fotógrafas más reconocidas del mundo ofreciéndonos la posibilidad de reírnos de nosotros mismos, de mirar más allá de los tópicos que asociamos a las celebridades. Encontramos en el clima sutil e inconfundible de sus retratos una insolencia inocente al servicio de la profundidad de las emociones.

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La "Gauche Divine" llega a la Universidad

La exposición surgió de una maleta de madera con ruedas gracias a las que podrá circular y visitar todos los campus de la universidad. El recorrido se inicia en la UPF-BSM y viajará por el Campus Mar, el Campus Poblenou y el Campus Ciutadella. Con ella, ¡la pandilla de la "Gauche Divine" no se acaba nunca!

En el hall de la entrada de la UPF Barcelona School of Management encontraréis, en el último panel, un código QR para descubrir otras fotografías en formato digital.

Podéis visitar parte de la exposición virtual, aquí

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Las vanguardias liberaron a los artistas de cuatro siglos con el mismo arte

Anónimo — Wed, 12 May 2021 16:21:40 +0000

Las vanguardias liberaron a los artistas de cuatro siglos con el mismo arte Anónimo (no verificado) Mié, 12/05/2021 - 18:21

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La profesora de Teoría del Arte de la UPF, Estela Ocampo, recorre las vanguardias de principios del siglo XX y explica cómo transformaron el paradigma artístico conocido hasta la fecha: el naturalismo. Cubismo, expresionismo o futurismo, entre otros, rompen con los esquemas y influyen el arte contemporáneo actual.

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Mié, 12/05/2021 - 12:00

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Las vanguardias son una ruptura con el pasado, con más de cuatro siglos viendo el mismo arte. "Los distintos movimientos de vanguardia, que se plantean distintas cuestiones, coinciden en la necesidad de establecer un paradigma artístico libre", ha expuesto Estela Ocampo, doctora en Filosofía y Letras y profesora de Teoría del Arte en la Universitat Pompeu Fabra, durante el webinar "El gesto radical: arte y vanguardias del siglo XX".

Cubismo, expresionismo, futurismo, dadaísmo o surrealismo han sido algunos de los movimientos por los que ha transitado Ocampo para explicar las vanguardias de las primeras décadas del siglo XX que, a pesar de sus diferencias "querían romper con el paradigma del mimetismo naturalista". "El antinaturalismo, que se expresa de muchas maneras, busca sustituir completamente la relación del arte con la naturaleza por una completamente distinta en la que el arte es autónomo", ha reflexionado la profesora.

Nuevas formas y referentes

Durante cuatro siglos, los artistas se sometieron a ciertas reglas como la verosimilitud en la representación o el claroscuro, entre otros, y siguieron determinados preceptos, por ejemplo, con respecto al cuerpo humano. Sin embargo, aunque las academias del siglo XVII "liberaban" a los artistas de la influencia gremial, los estrictos preceptos pronto "encorsetaron" a los creadores.

"El interés por el arte primitivo es prácticamente inmediato", ha expresado Ocampo, que ha ejemplificado esta tendencia con Les Demoiselles d'Avignon, de Pablo Picasso. Una obra que, sin embargo, produjo mucho rechazo. ¿Por qué? "Por el uso de las máscaras africanas a modo de rostro", ha apuntado la profesora.

El gusto por lo primitivo no solo se registra en Picasso y en el cubismo, sino también en otros movimientos que coinciden con la necesidad de buscar una salida al naturalismo.

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Estela Ocampo, profesora de Teoría del Arte en la UPF

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La rebeldía del futurismo

"El futurismo es quizás uno de los movimientos con un planteamiento más radical", ha recordado Ocampo que, a su vez, ha admitido que más allá de su manifiesto fundacional (1909) publicado en Le Figaro, "el planteamiento de base era compartido con las demás". El futurismo, en cualquier caso, responde a un "determinado ambiente pre bélico en Europa" y a una actitud "muy crítica" de los artistas. "Habla de un movimiento agresivo frente a la inmovilidad y al ensueño que caracterizó a épocas anteriores del arte europeo", ha reivindicado Ocampo.

La máquina, la agresividad y la glorificación de la guerra eran algunos de los aspectos más ensalzados por el movimiento que, en sus inicios, tuvo una vertiente anarquista. "Los tubos de colores, para nosotros, eran como cartuchos de dinamita", dijo Maurice Denis, una de las figuras fundamentales del expresionismo.

Revolución política y pictórica

Más allá de la retórica belicista, en los años veinte del siglo XX nació otra forma de vanguardia sustancial para el arte contemporáneo: la abstracción. Aunque no fue exclusivamente hija de la vanguardia rusa, tiene uno de sus máximos exponentes en Kazimir Malevich. "Es la vinculación entre la vanguardia política y la vanguardia pictórica", ha considerado Ocampo, que lo ha valorado como "un caso privilegiado".

"Rusia era extraordinariamente creativa en términos artísticos, pero también económicos, políticos y sociales", ha señalado la profesora de Teoría del Arte de la UPF. En este sentido, Ocampo ha insistido en la inicial adhesión de artistas como Wassily Kandinsky o Malevich a la revolución rusa. Algo que, lamentablemente "no terminó siendo una buena relación".

Mientras que Kandinsky abandonó la URSS en 1919, precedido por Marc Chagall, que lo hizo en 1922, Malevich se convirtió en referente del movimiento y llevó el antinaturalismo a su extremo con la obra Blanco sobre blanco, tras la que dejó de pintar.

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"«El mundo de ayer» es la conversión del llanto en escritura"

Anónimo — Fri, 07 May 2021 10:08:40 +0000

"«El mundo de ayer» es la conversión del llanto en escritura" Anónimo (no verificado) Vie, 07/05/2021 - 12:08

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El traductor literario Adan Kovacsics ofrece una sesión para entender el mundo que Stefan Zweig retrató en su célebre obra «El mundo de ayer» y comprender los sentimientos de la población Europea de principios del siglo XX.

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Mié, 05/05/2021 - 12:00

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Hay dos elementos en «El mundo de ayer» que lo hacen particular y eterno. Por una parte, la desesperación y dolor contenidos por el exilio y la desaparición de un mundo. Por otra, su conversión del llanto en escritura. Así lo ha considerado el traductor literario Adan Kovacsics, ponente del webinar "«El mundo de ayer»: Stefan Zweig y la Europa de principios del siglo XX" y experto en la obra de autores austríacos y húngaros como Stefan Zweig, Karl Kraus o Arthur Schnitzler, entre otros.

«El mundo de ayer: memorias de un europeo» (1941) es la gran obra de Zweig, que la escribió en "tiempos de penuria y persecución". "Este es un libro autobiográfico en el que, sin embargo, apenas aparece la vida privada de Zweig", ha apuntado Kovacsics, que ha descrito el libro como una "galería de personalidades". "No hay página en la que no aparezcan músicos, artistas o intelectuales que Zweig conoció", ha admitido.

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Adan Kovacsics, traductor literario y experto en Zweig

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Pese a que la lectura es una "exaltación permanente del arte", el protagonista real es más bien un período. "Él, tan experto en la escritura de biografías, parece que quiso escribir la biografía de un determinado período de Europa", ha reflexionado el traductor, refiriéndose al periodo de entreguerras.

¿Cuál fue el mundo de ayer?

Cuando Zweig habla del mundo de ayer, lo hace del mundo anterior a la Primera Guerra Mundial. "Lo que caracterizó esa época fue el cosmopolitismo y la defensa de lo supranacional, algo que también caracterizó a su familia", ha explicado Kovacsics, que ha insistido en el "esfuerzo permanente del autor por rememorar y justificar una vida".

Él, tan experto en biografías, parece que quiso escribir la biografía de un determinado período de Europa

Sin embargo, con las gafas de 2021, Kovacsics ha insistido en que la visión de Zweig responde a un "patrón mítico de lo Habsburgo" con una tendencia a "edulcorar e idealizar" el periodo previo a la Gran Guerra. Algo con lo que la politóloga Hannah Arendt no estuvo nada de acuerdo y por lo que describió «El mundo de ayer» como "cualquier cosa excepto el mundo de ayer".

Sea como fuere, y a pesar de las críticas, el experto en Zweig ha argumentado que lo que rescata aquel mundo de ayer es la "efervescencia creativa" del tiempo previo a la guerra y a los personajes como Sigmund Freud o Franz Kafka que "reflejaron el carácter frágil, quebradizo y de bases movedizas de ese mundo de ayer".

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"El Qujiote es un loco a ratos lleno de lúcidos intervalos"

Anónimo — Wed, 05 May 2021 16:45:24 +0000

"El Qujiote es un loco a ratos lleno de lúcidos intervalos" Anónimo (no verificado) Mié, 05/05/2021 - 18:45

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El historiador Gonzalo Pontón explica las principales características de la obra más importante de la literatura española, Don Quijote, e interpreta las múltiples lecturas de la obra: desde una simple novela de caballerías hasta una lectura humorística a una critica social.

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Cultura

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Mié, 28/04/2021 - 12:00

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¿Cómo sería la vida vivida según los libros? El historiador Gonzalo Pontón ha planteado esta reflexión como una de las posibles líneas de interpretación de «Don Quijote de la Mancha». "Cervantes construye una novela plagada de alusiones a un universo literario, con personajes obsesionados por la lectura y por vivir su propia existencia en conflicto entre la realidad y lo que los moldes literarios permiten experimentar", ha considerado.

Estas han sido las primeras reflexiones del webinar "Don Quijote: la obsesión por la literatura", organizado por el Programa Cultura de la UPF Barcelona School of Management en colaboración con el Institut d'Humanitats. "El Quijote es un libro cómico, que hace reír, pero que mantiene una presencia constante y tenaz de la literatura", ha valorado Pontón, que ha recordado que, por encima de todo, representa "la novela caballeresca por excelencia".

Según el historiador, en el siglo XVI la literatura caballeresca "constituye un género literario propio". Con ella todos pueden vivir aventuras históricas, bélicas y amorosas, ha expresado, y ha añadido: "por eso no me sorprende que sean estos libros los que el Hidalgo, empobrecido, quema en la hoguera", ya que depuesto de todos sus poderes, "solo puede vivir la aventura idealizada a través de la lectura".

Entre lo real y lo imaginario

En esta línea entre la realidad y lo literario, entre lo ficticio y lo inventado, transita también el protagonista de la novela. Pero, ¿Don Quijote es un "loco" o hay algo más detrás de él? En palabras de Pontón, "el ingenioso Hidalgo es un loco a rato lleno de lúcidos intervalos". Sin embargo, la "madurez" de su personaje llega a través de las largas conversaciones con Sancho, su escudero.

Precisamente, sobre la originalidad de la segunda parte de la obra se disipa una sombra de duda. ¿Es Cervantes su autor? En 1614 se publica la supuesta continuación del primer tomo, pero no llega de manos del autor original, sino de Alonso Fernández de Avellaneda que, ha comentado Pontón, "se despacha con cierta malicia del verdadero autor".

La novela incluye tantas interpretaciones como modas, tendencias y años nos separan de su creación.
Gonzalo Pontón, historiador

Ante una posible mala reacción, Cervantes respondió de forma "admirable" e incluyó dicha versión a su segunda parte. "Es una obra más articulada y meditada, con mayor cohesión", ha valorado el historiador que, no obstante, ha admitido que "todos los descubrimientos se encuentran en la primera".

Pese a que tras «Don Quijote» no se imprimen más novelas caballerescas, la obra ha sobrevivido a más de cuatro siglos y sigue siendo la mayor obra de la literatura española. "La novela incluye tantas interpretaciones como modas, tendencias y años nos separan de su creación", ha reflexionado Pontón, que ha concluido: con el Quijote, "la posibilidad de lo maravilloso siempre queda abierta".

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“Shakespeare va ser real, però el 90% del que s'explica a les seves biografies és fictici"

Anónimo — Mon, 03 May 2021 15:11:40 +0000

“Shakespeare fue real, pero el 90% de lo que cuentan sus biografías es ficticio” Anónimo (no verificado) Lun, 03/05/2021 - 17:17

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¿Quién fue en realidad William Shakespeare? El crítico, editor y traductor Andreu Jaume ofrece el webinar "Y Shakespeare inventó a los humanos", en el que analiza trayectoria vital y literaria del célebre autor, desde sus primeras comedias hasta su gran final con The Tempest.

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Mié, 21/04/2021 - 12:00

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“Empecemos con una aclaración: Shakespeare existió, fue real”. Con esta contundencia el editor y traductor Andreu Jaume ha disipado todo tipo de dudas sobre los rumores entorno a la vida y obra del autor más importante de todos los tiempos.

Así lo ha certificado durante el webinar “Y Shakespeare inventó a los humanos”, organizado por el Programa Cultura de la UPF Barcelona School of Management en el marco de las actividades de Sant Jordi y en colaboración con el Institut d’Humanitats. “Hay muchas biografías sobre Shakespeare, pero la mayoría de ellas se basan en un 10% en hechos y en un 90% en invenciones”, ha lamentado Jaume, que ha recomendado el texto de Bill Bryson. “Todo lo que se puede saber sobre Shakespeare lo escribió él”, ha sentenciado.

“Uno de los agravios más grandes que ha sufrido Shakespeare es que se haya dudado de su existencia y de su obra”, ha insistido Jaume, que ha conducido una sesión a través de la Inglaterra isabelina de Shakespeare y de los entresijos de su vida personal que, sin duda, afectaron a sus creaciones.

Del humor a la "dark comedy"

“Shakespeare tuvo que ser un tipo muy divertido: hasta en las tragedias más oscuras hay siempre un golpe de humor”, ha apuntado el crítico y editor, responsable de la edición de la obra completa de Shakespeare en castellano y de la traducción de El rey Lear (Penguin Clásicos, 2016).

Pese a que Shakespeare “siempre tuvo una intuición cómica innata”, le costó adaptarse al dramatismo que predominó durante el reinado de Isabel I y que su contemporáneo, colega y competidor, Christopher Marlowe, tan bien dominó.

“Su vida, la de Marlowe, fue apasionante, teniendo que lidiar continuamente con el rechazo a la homosexualidad; la de Shakespeare, en cambio, fue más cotidiana”. El célebre dramaturgo se casó con Anne Hathaway, con quien tuvo tres hijos: Susanna, Judith y Hamnet. Fue precisamente la muerte de este último, el único varón, con tan solo once años, la que transformó su obra.

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La comunidad UPF edita este año la edición bilingüe de 'The Tempest', la última obra de Shakespeare

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Poco a poco, Shakespeare fue asumiendo el diálogo trágico en sus obras a través de los dramas históricos. En el siglo XVI, “Inglaterra era una nación que estaba creando su mitología por primera vez, y allí Shakespeare se insertó de forma magistral”, ha relatado Jaume, un camino que le llevó a escribir su gran tragedia: Hamlet.

“El tono va ensombreciéndose a partir de los 40 años del dramaturgo”, ha matizado el editor, que ha añadido: “Había perdido a un hijo, sentía la mordedura del paso del tiempo y eso se nota mucho”. Desde aquel momento, Shakespeare dejó de escribir comedias o escribió lo que se conoce como “dark comedies”.

Tras el esplendor, la despedida

Finalmente, Shakespeare conquistó la dialéctica trágica que tanto anhelaba y que tanto había envidiado en Marlowe, que murió en unas circunstancias extrañas tras ser acusado de ser un espía del gobierno.

“El Rey Lear es la mejor obra de Shakespeare y de todo el periodo isabelino”, ha reflexionado Jaume. Sin embargo, tras la muerte de Isabel I, la última monarca de la dinastía Tudor, Shakespeare ya no escribirá ni tragedias ni comedias.

Su última obra en solitario, La Tempestad, actuará como su despedida. “En ella incorpora todos los elementos investigados durante su dramaturgia, convirtiéndolos en un mito”, ha manifestado el crítico y editor, que ha apuntado que la obra funciona como “reconciliación”. Para ejemplificarlo, Jaume ha citado una de las frases más célebres de la obra: “Estamos hechos de la misma materia de la que están hechos los sueños. Y nuestra vida es ensueño”.

Sea como fuere, Shakespeare fue real y su obra todavía nos ilustra en una época, la nuestra, de “apoteosis del ego sobredimensionada en la que todo es biografía y publicidad”, ha manifestado el editor, que concluido: “Bien pensado, no saber mucho de Shakespeare es un descanso”.

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